MÚSICA DEL CLASICISMO

Se reconoce como Clasicismo al periodo comprendido entre el Barroco y el Romanticismo, y fechado entre 1750 y 1827, o dicho de otra manera, desde la muerte de J.S. Bach hasta la muerte de Beethoven.
Históricamente es la época en la que se produjeron los grandes cambios sociales y las revoluciones liberales. Es fundamentalmente la época de la Ilustración.
Sus centros de difusión son, en primer lugar Viena, y también Berlín, París y Mannheim.
La burguesía será el nuevo público y se abandonan los recintos eclesiásticos y los palacios. Aumenta la difusión de la música y la venta de partituras. Los compositores empiezan a ser muy conocidos y viajan por Europa. Coincide en el Arte con el Neoclasicismo, aunque no va a tomar los valores de la sencillez y la vuelta a la antigüedad clásica, pero sí, en cambio, los rasgos de perfección y belleza y una vuelta a la naturaleza.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL CLASICISMO MUSICAL:

• La música en el clasicismo es cortesana, refinada, elegante, objetiva y poco emocional.
• Forma: Sonata, Sinfonía, Concierto solista, Cuarteto…
• Melodía: Claridad, frases nítidas y regulares que se abren y cierran con ciertos reposos.
• Estilo: Homofónico o vertical. Se trata de acompañar una melodía o tema. Poca utilización del contrapunto.
• Armonía: Clara y no cromática. Las disonancias se resuelven satisfactoriamente.
• Ritmo: Sencillo, regular, con silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías.
• Dinámica: Es tranquila, sin bruscos crescendos o diminuendos.
• Instrumentación y orquestación: La música instrumental es más importante que la vocal. Sientan las bases de la orquestación moderna. Como la extensión de los instrumentos es aún reducida, evitan registros extremos. Empieza a desarrollarse el piano.
• Aparecen los conciertos públicos.
• Gran expansión de la música editada.

FORMAS INSTRUMENTALES:
Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas:

• La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
• El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente para tres, cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
• La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al aire libre.
• El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
• La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.

Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como modelo la sonata. Tiene esta tres o cuatro movimientos:

• En el primero se sigue un esquema con tres partes: primero una exposición en la que el compositor nos presenta dos temas, uno enérgico, en la tonalidad principal, y otro más melódico, en la dominante o el relativo mayor. En segundo lugar, el desarrollo, en el que se establece un conflicto entre los dos temas, que son fragmentados, transportados, variados... Finalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver a escucharse los temas iniciales en la misma tonalidad.
• El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma lied, de estructura ternaria y carácter lírico.
• El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minueto, danza de origen francés, o de scherzo (en el caso de Beethoven).
• En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma rondó, que alterna un tema principal a modo de estribillo, en la tonalidad principal, con episodios en otros tonos.

En la sonata propiamente dicha los compositores solían prescindir a veces de alguno de los cuatro movimientos canónicos, a su elección. El concierto nunca tiene minueto, quedando por tanto estructurado siempre en sólo tres movimientos. Los divertimentos y serenatas, por el contrario, solían ampliar la secuencia habitual con algún movimiento suplementario.

VIDEO SOBRE MÚSICA DEL CLASICISMO:

MÚSICA EN EL PERIODO BARROCO

Es un arte con estilo musical europeo, muy relacionado con la famosa época cultural homónima, que inicia con el nacimiento de la ópera alrededor 1600 hasta la muerte del gran compositor Sebastian Bach, en el año de 1750, el término “barroco” ha sido ampliamente utilizado desde el siglo XIX para describir el período de la música de arte de Europa occidental desde aproximadamente 1600-1750.

Además de la producción de la música europea más temprana familiar para la mayoría de nosotros, incluyendo Canon de Pachelbel y de Antonio Vivaldi Las cuatro estaciones. La época barroca también se expandió en gran medida nuestros horizontes. La aceptación de la teoría de Copérnico del siglo XVI que los planetas no giran alrededor de la tierra hizo el universo un lugar mucho más grande, mientras que el trabajo de Galileo nos ayudó a conseguir un mejor conocimiento de los cosmos. Los avances en la tecnología, tales como la invención del telescopio hecho lo que se cree que es finita parecen infinitas. Grandes pensadores como Rene Descartes, Hobbes, Spinoza y Locke abordan los grandes interrogantes de la existencia. Genios como Rubens, Rembrandt y Shakespeare ofrecen perspectivas únicas a través de su arte. Naciones europeas crecieron más y más involucrados con el comercio exterior y la colonización, nos trae en contacto directo con las partes del mundo que antes eran desconocidos. Y el crecimiento de una nueva clase media dio vida a una cultura artística depende mucho de los caprichos de la iglesia y el corte.

CARACTERÍSTICA DEL BARROCO:

Contraste como elemento dramático.

Contraste es un ingrediente importante en el drama de una composición barroca. Las diferencias entre los fuertes y suaves, solistas y de grupos (como en el concierto), diferentes instrumentos y timbres todos juegan un papel importante en muchas composiciones barrocas. Los grandes compositores del barroco también comenzaron a ser más preciso sobre la instrumentación, a menudo especificación de los instrumentos en los que una pieza debe ser reproducido en lugar de permitir que el intérprete para elegir.Instrumentos brillantes como la trompeta y el violín también crecieron en popularidad.

Monodia y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza de música tienden a consistir en una sola melodía, tal vez con un acompañamiento improvisado, o varias melodías que se tocan simultáneamente. No fue hasta la época barroca hizo el concepto de “melodía” y “armonía” realmente comenzar a articularse. Como parte del esfuerzo para imitar la música antigua, los compositores comenzaron a centrarse menos en la polifonía compleja que dominó los siglos XV y XVI, y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o monodia. Si la música es una forma de retórica, como los escritos de los griegos y romanos indican, un poderoso orador es necesario, y quién mejor para el trabajo de un solista vocal? La nueva fusión entre la expresión de los sentimientos y el cantante solista vienen con fuerza y claridad en Monteverdi prefacio ‘s de la Combattimento di Tancredi e Clorinda de su Octavo Libro de Madrigales (1638), en el que escribe: “Se me ha parecido lo que los principales pasiones o afectos de nuestra mente son en número de tres, a saber, la ira, la ecuanimidad y la humildad. Los mejores filósofos están de acuerdo, y la naturaleza misma de nuestra voz, con sus gamas altas, bajas y medias, indicarían como mucho. “Las primeras óperas son una excelente ilustración de esta nueva estética.

Diferentes sonidos instrumentales.

Después de ser ignorada por décadas, la musica del barroco se ha convertido cada vez más popular en los últimos 50 años. Como parte de este nuevo interés, estudiosos y músicos han pasado horas y horas tratando de averiguar cómo la música podría haber sonado a las audiencias siglo XVII y XVIII. A pesar de que nunca seremos capaces de recrear una actuación precisa, su trabajo ha descubierto varias diferencias importantes entre el barroco y conjuntos modernos:


terreno de juego: En 1939, orquestas modernas acordó sintonizar un ‘= 440 Hz (la nota A lanzó a 440 ciclos por segundo), que sustituyó a un terreno de juego con anterioridad inferior (a’ = 435Hz), aprobada en 1859. Antes de 1859, sin embargo, no había hay un estándar de tono. La nota a la que los conjuntos barrocos sintonizados, por lo tanto, varía ampliamente en diferentes momentos y en diferentes lugares.Como resultado, la música escrita en una puntuación podría haber sonado tanto como un medio tono más bajo que la forma en que tradicionalmente se lleva a cabo hoy en día. En un esfuerzo para permitir de esta discrepancia, muchos conjuntos barrocos ajustan su sintonía con el repertorio que se realiza: a ‘= 415Hz para la música del barroco tardío, a’ = 392Hz para la música francesa, a ‘= 440Hz para la música italiana temprana y A’ = 430Hz para el repertorio clásico.


timbre: Si bien la mayoría de los instrumentos en un conjunto barroco están familiarizados, hay varios miembros prominentes ya no aparecen en los conjuntos modernos. La clave era el principal instrumento de teclado (y un importante miembro del grupo continuo), y los instrumentos importantes en los siglos 16 y 17, como el laúd y la viola , todavía se siguió utilizando. Las variaciones en los instrumentos todavía populares hoy en día también dieron la Baroque Ensemble un sonido diferente. Instrumentos de cuerda como el violín, viola y cello utilizan cuerdas de tripa en lugar de las cuerdas envueltas en metal con el que se encadenan hoy, por ejemplo, dándoles un tono más suave, más dulce.


técnica de ejecución : Una puntuación barroca contiene poca (o ninguna) información sobre elementos como la articulación, la ornamentación o la dinámica y conjuntos tan modernos necesitan para tomar sus propias decisiones informadas antes de cada función. Diferencias mecánicas entre barroca y los instrumentos modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían sonado diferente, así como conjuntos de música del barroco a menudo ajustar su técnica para permitir esto. Debido a que los arcos barrocos y modernos son estructuralmente diferentes, por ejemplo, jugadores de la secuencia utilizando arcos modernos a menudo usan un ataque más suave en la cadena y crescendos y diminuendos en notas más largas. 17 y tratados rendimiento del siglo 18 también implican que Bend (una técnica en la que un jugador de la secuencia mece su dedo sobre la cuerda para enriquecer el tono) fue utilizado con moderación para momentos expresivos, mientras que el vibrato arco (un movimiento ondulante de la proa) generalmente se prefiere.

VIDEO DE LA MÚSICA DE BAROCO: